Categoría: teatro

‘La eternidad en sus ojos’, escrita por Eduardo Adrianzén y dirigida por Oscar Carrillo se encuentra, actualmente, finalizando una nueva temporada. Esta vez, el lugar de su presentación es el Teatro de Lucía de Miraflores.

Este montaje, realizado en un estilo naturalista, gira en torno a la historia de amor de una pareja a lo largo de una década.

La historia se desarrolla intercalando dos planos temporales. En uno de ellos,- el momento ‘presente’ – un joven, que acaba de perder a su padre, visita a una mujer anciana para interrogarla sobre la relación que mantuvo con éste. Los recuerdos de la mujer serán la excusa para el viaje en el tiempo y la exposición de los hechos que conformaron la relación – el ‘pasado’ -.

De esta manera, ‘La eternidad en sus ojos’ muestra la historia de Nina, una profesora universitaria de 39 años, casada, con dos hijos; y Alejandro, un joven estudiante con aspiraciones a ser poeta, 20 años menor que ella. El encuentro entre ambos, y su posterior romance, exponen el universo de tensiones y contradicciones existentes entre dos personas de generaciones distintas y con realidades, expectativas y obligaciones muy diferentes entre sí. Asimismo, la voluntad de ambos de continuar con su relación permite observar los cambios y negociaciones que se desarrollan a medida que pasa el tiempo.

La historia se expone a partir de los encuentros furtivos de la pareja – siempre en el mismo cuarto de hotel -. Estos encuentros son mostrados con saltos de tiempo – en ocasiones intercalados con escenas entre el joven visitante y la protagonista en edad adulta – que permiten observar el desarrollo de la relación año tras año. Ello, otorga la posibilidad de reconocer en Nina a una mujer adulta, inteligente, práctica, irónica, responsable y libre (aunque pueda parecer que los dos últimos adjetivos son opuestos); asumiendo el liderazgo de la relación con honestidad y firmeza, con sarcasmo y ternura. Del mismo modo, muestra la evolución y cambio de Alejandro con el paso de los años. Así, se le aprecia inicialmente como un joven romántico y confundido; luego frustrado, impetuoso y demandante; para, finalmente, ser más cauto y responsable.

Este progreso – anual – de los personajes muestra, también, los cambios en la relación. Así, esta pasa de la inestabilidad y el conflicto permanente – al inicio – a una situación de equilibrio; donde se comparten las preocupaciones de la vida ‘pública’ de los personajes (los hijos y el esposo de Nina, la novia de Alejandro).

Debe mencionarse que, en sus diferentes etapas, la relación muestra una paradoja: el deseo de seguir juntos oponiéndose a los intereses disímiles de la pareja. Una relación inviable, sostenida por los sentimientos.

Este juego de tensiones de los protagonistas es uno de los elementos más efectivos del montaje; ya que la permanente certeza del fracaso de la relación vuelve más conmovedora la fe de los personajes en seguir adelante.

Un elemento importante en esta historia es que se desarrolla entre 1979 y 1989. Detalle que no pasa desapercibido debido a las referencias al contexto social y político que se encuentra en el texto. Ello permite encontrar paralelos entre la relación de los personajes y la realidad del país. Así, en ambos casos – pareja de personajes y contexto social -, el deseo de seguir adelante convive con la inestabilidad; logrando una sobrevivencia basada en pequeños pactos y precarios equilibrios. Un buen ejemplo de ello es la escena del apagón y el coche-bomba.

Sin embargo, la influencia de la realidad de esa época sobre la obra no es solo simbólica o referencial. El acceso a bienes gracias a los dólares MUC o la búsqueda de oportunidades fuera del país son elementos que influyen sobre el desarrollo de la trama (como por ejemplo, el leve ascenso social de la familia de Nina, que le ofrece la oportunidad de dejar el país).

Todo ello genera que el montaje logre, efectivamente, construir el universo temporal y social que propone; lo cual es importante destacar, ya que lo logra recurriendo a escenas que transcurren en un único e inmutable espacio escenográfico.

En cuanto al montaje, debe mencionarse el gran aporte de los intérpretes. En especial el trabajo de la dupla de protagonistas; quienes irradian complicidad y naturalidad, destacando especialmente Ximena Arroyo. La otra dupla de intérpretes presenta algunos problemas de fluidez, probablemente debido a las diferencias de estilos. Ello, no les impide una actuación efectiva y, cuando lo requiere, conmovedora.

‘La eternidad en sus ojos’ propone una historia de amor, en clave de melodrama, con características muy particulares. Pues, además del eficiente ritmo de sus diálogos, y de sus construcciones poéticas a partir del juego de palabras y sonoridades, propone una historia de amor ‘prohibido’ (infidelidad, diferencia de edades) sin caer en los juegos de la culpa o la falsa moral. Una historia donde el personaje femenino rompe el patrón de la sumisión, el romanticismo ‘meloso’ y la auto conmiseración. La obra muestra personajes complejos, que actúan en concordancia a sus intereses sin complacencias, con frescura y naturalidad.

(*)Foto tomada de aquí.

Dirección: Oscar Carrillo.

Dramaturgia: Eduardo Adrianzén.

En escena: Sonia Seminario, Ximena Arroyo, Claudio Calmet, Jorge Bardales.

‘Salir’ es una obra teatral escrita y dirigida por Daniel Amaru Silva, y codirigida por Rodrigo Chávez. Esta puesta en escena se presentó en el auditorio de la Alianza Francesa de Miraflores entre el 19 de noviembre y el 4 de diciembre. Cabe mencionar que ‘Salir’ fue una de las obra premiadas por el Festival ‘Sala de Parto’ en la edición del año 2013.

Este montaje parte de una anécdota sencilla: un escritor es atendido en un hospital por un mal recurrente producto de la debilidad de sus costillas. El personaje espera que sea un chequeo de rutina, pero se ve obligado a internarse. Esto termina siendo un pretexto para un viaje en el tiempo, en el cual el protagonismo de los recuerdos del personaje es compartido entre el vínculo con sus amigos de la infancia y la relación fallida de sus padres.

La forma en que está compuesto el texto guía al espectador por tres líneas temporales. Una de estas líneas muestra el tiempo ‘real’ del personaje durante su internamiento. Aquí se observa su relación con unenfermero y la doctora a medida que le van informando acerca de su estado de salud. Por otro lado, se expone el vínculo con sus dos amigos de la infancia; y cómo esta relación se fortalece y muta en los tiempos de la adolescencia, la juventud y la primera adultez. Finalmente, se muestra la relación de – y con – los padres; de tal manera que se aprecia la crisis matrimonial y como esta afectó la relación existente entre los tres miembros de la familia.

En cuanto a la puesta en escena, ‘Salir’ presenta a los 5 actores/personajes (*) ubicados en puntos específicos del espacio. Cada uno de ellos se encuentra sentado en una banca dando la espalda a la platea. Desde esa posición se propone una convención muy sencilla y efectiva: cuando al actor/personaje le corresponde participar en una escena gira sobre su sitio y se coloca en posición frontal al público. Es desde esa nueva posición que interpretará sus parlamentos.

Debe mencionarse que esta forma de exposición/interpretación de los actores/personajes plantea en la sensibilidad del espectador un vínculo más cercano con el personaje. Y es que, en muchos momentos de la obra, la mencionada frontalidad puede resultar confesional. Además de ello, la claridad de la convención, sumada a la ausencia de utilería, decorados y traslados, potencia el ritmo de la puesta en escena y facilita la comprensión en los saltos de tiempo que propone la dramaturgia.

Puede afirmarse, entonces, que la puesta en escena propone una forma en la cual la atención del público y la acción de los actores se concentra en el texto dramático y la sonoridad que su interpretación ofrece.

Este texto destaca por su dinamismo en los momentos de las relaciones conflictivas -el personaje con la madre, la esposa, el enfermero y la doctora; además de la relación entre los padres-, donde la ironía, los juegos de palabras y cierta clave poética en el manejo del conflicto complementan la construcción de las escenas. Sin embargo, puede resultar excesivamente retórico en los momentos donde se suscitan reflexiones personales o en ciertas conversaciones altamente expositivas. Y, si bien esto podría traer como resultado una combinación rítmica interesante, termina agotándose como recurso.

Este agotamiento se hace más evidente luego de que se devela el estado de salud del personaje -aquejado de una grave enfermedad-. Y es que, hasta ese momento, la obra venía alternando información diversa sobre el personaje: sus actividades, su salud, la relación con sus padres -divorciados, el padre se suicida poco después- y la relación con sus amigos -se conocen desde niños, estuvo casado con su mejor amiga; quien se encuentra comprometida con su mejor amigo-. Pasado este momento, ‘Salir’ continúa en sus tres líneas temporales ofreciendo información que resulta complementaria; pues ésta permite al espectador terminar de ‘armar’ la historia del personaje, pero que carece de acción.

‘Salir’ propone una puesta en escena sobria y minimalista. Su austeridad en utilería y escenografía potencia la dinámica que el texto dramático plantea. Asimismo, una iluminación tenue -y con matices entre la luz frontal y las sombras marcadas- acompaña y guía los cambios de tiempo. La convención teatral es intimista y propone un estilo confesional. Asimismo, concentra la atención en el texto dramático y su sonoridad; otorgando, por momentos, una rítmica sonora más que atractiva. Cuenta con un equipo actoral solvente en el manejo del estilo que la convención propone; destacando especialmente la interpretación  del protagonista -quien propone un cuidado desarrollo corporal a los diferentes momentos del personaje-.

Sin embargo, la obra tiende a decaer después de haber develado su conflicto principal -el estado de salud del protagonista y su relación con los otros personajes-, decantando en momentos excesivamente retóricos y con carencia de acción; lo cual pone al montaje en riesgo de caer en una redundancia rítmica.

‘Salir’ apuesta por el riesgo en un montaje poco convencional para la escena limeña. Y, si bien presenta algunas debilidades mencionadas líneas arriba, consigue sostener al espectador a través del planteamiento eficiente del universo del protagonista y de un sensible manejo del drama familiar.

(*) Se usa el término ‘actor/personaje’ tanto por la neutralidad y sobriedad que presenta la propuesta como por el hecho que los cambios en los personajes son sutiles y pasan por detalles mínimos -como los del padre/enfermero, la madre/doctora o las diferentes edades del protagonista y sus amigos-.

(**) Foto tomada de aquí.

Dirección: Daniel Amaru Silva, Rodrigo Chávez.
En escena: Carlos Mesta, Evelyn Ortiz, Nicolás Fantinato, Óscar Meza, Alexa Centurión.
Dramaturgia: Daniel Amaru Silva.
Vestuario: Jazmín Perea.
Arte: Aarón Rojas, Blanca Martínez.
Iluminación: Cesar Fe.
Producción General: Soma Teatro, Sala de Parto.

‘Gol’ es un montaje teatral dirigido Roberto Ángeles; quien, además, escribió la dramaturgia junto a José Diez Canseco y Fernando Luque. Este montaje tuvo  una breve temporada, entre el 19 y 22 de junio, en el Teatro de la Universidad del Pacífico. Posteriormente se presentó, entre el 16 de julio y el 16 de agosto, en el auditorio del ICPNA de Miraflores.

‘Gol’ se desarrolla, inicialmente, a través de una propuesta física, gestual y coreográfica; para luego concentrar su apuesta en escenas donde el peso recae en la interpretación naturalista de los textos. Así, la puesta en escena empieza desde que el público ingresa a la sala, ya que se puede observar al grupo de actores trabajando en el escenario. Inicialmente, sus acciones están vinculadas a su preparación actoral – calentamiento vocal, estiramiento corporal, ejercicios de dicción -¸ para luego transformarse en un conocido juego de recreación futbolística: el ‘camotito’.

Cabe mencionar que durante el desarrollo de estos momentos de preparación – ‘futbolística’ y actoral – son los propios actores quienes se encargan de anunciar la primera, segunda y tercera llamada; para posteriormente dar la bienvenida al público e iniciar ‘formalmente’ la función.

A partir de ese momento se presentan – a través de coreografías, acciones y gestos colectivos – elementos que componen el universo simbólico del fútbol. Así, por ejemplo, se representan secuencias de calentamiento, de acciones de juego, de reclamo y de festejo. Además, se incluyen gestos propios del imaginario del hincha: miradas y gestos de expectativa, festejos y lamentos.

Concluido este momento, que propone el contexto – temporal y emocional – donde se sitúa parte importante de la obra, el montaje plantea un viaje en paralelo entre dos tiempos de un mismo personaje: el actual, donde el protagonista duda acerca de suicidarse; y el pasado, donde recuerda episodios de su niñez, sucedidos durante las semanas en que se jugaron las eliminatorias mundialistas para México ’70.

Aquí cabe destacar que el trabajo colectivo de los actores durante el inicio de la obra, construyendo imágenes como individuos anónimos parte de una misma masa, cobra mayor sentido al ser el antecedente a la manera en que será representada la historia. Y es que, las reflexiones del protagonista (su situación actual) son representadas – a modo de desdoblamiento – por cuatro actores; con cuatro voces, recuerdos y puntos de vista distintos. Y son esos mismos cuatro actores los que van intercambiando roles para representar los personajes – el niño, el padre, la madre, el profesor, el amante -, que forman parte de las memorias del protagonista (el pasado).

Así, ese viaje entre dos tiempos permite apreciar – representados – hechos y situaciones de la niñez del protagonista; además de ofrecer los puntos de vista – muchas veces contradictorios – de las cuatro voces que conviven en la mente de éste.

De esta manera, sucesos como las peleas entre sus padres, su primera vez en un estadio, su relación emocional con el fútbol, la aparición del amante de su madre, el suicidio de su padre, su búsqueda de afecto por medio del entrenador de fútbol, y el castigo que le impide ver el último partido clasificatorio de la selección, son expuestos y, a la vez, analizados desde la(s) perspectiva(s) del protagonista.

Este juego de tiempos y roles que propone ‘Gol’ se sostiene tanto en la organización de su estructura dramática, como en los elementos que la habitan. Y es que este esquema dinámico de cambios constantes no sería efectivo si no contara con un elenco solvente, tanto en el manejo del texto, como en el trabajo corporal – salvo una observación en la caracterización estereotípica del personaje femenino -.

Asimismo, la austeridad en el vestuario – la misma ropa de entrenamiento que portaban los actores al inicio -, utilería y escenografía – no más de media docena de elementos inteligentemente dispuestos y reubicados -, ofrecen la oportunidad de una construcción de las convenciones teatrales a partir del trabajo del actor. Permitiéndose así, proponer el universo lúdico y complejo que plantea el montaje sin depender de elementos distractores.

No puede dejar de mencionarse el acertado manejo del ritmo a lo largo de todo el montaje. Tanto en la construcción y tránsito entre escenas y tiempos, como en la mirada global del espectáculo – desde que entra el público, hasta que se apaga la última luz -.

Sin embargo, vale la pena hacer algunas anotaciones respecto al texto. Si bien no es el interés de este espacio hacer análisis literario, cabe hacer mención de algunos detalles que desentonan con el funcionamiento del resto del montaje. Estas observaciones están vinculadas a datos específicos relacionados al fútbol y al discurso final del protagonista. Y si bien las primeras pueden interpretarse como ‘licencias’ (el hecho que en el montaje pasan varios meses entre el primer y el último partido de la selección, cuando en realidad toda la eliminatoria se jugó a lo largo de un mes; o que existan cánticos de tribuna, aparecidos en las décadas de los ’90, en un partido jugado en 1969), resulta extraño que en el discurso final del protagonista – antes de su decisión frente al suicidio – haga un paralelo entre su vida, el fútbol y el Perú y no haga mención a la vida del país durante la década previa. Y si bien podría parecer un pedido exagerado – o que queda sobre entendido -, el hecho de que se mencione el contexto político durante su niñez – el golpe de Estado de Velasco, la expulsión del padre del periódico por sus ideas políticas – y se omita lo sucedido durante los siguientes 20 años – teniendo en cuenta el estado desastroso y caótico del Perú a finales de los años ’80 -, mientras se pretende asociar la vida personal con la historia del país, en un discurso de varios minutos, resulta ser una omisión más que importante y bastante extraña.

‘Gol’ presenta una exploración de un drama familiar desde la memoria de uno de sus protagonistas; teniendo como contexto del recuerdo los partidos de la selección peruana de fútbol previos a su clasificación al Mundial de México ’70. Para ello se vale, principalmente, de los recursos dramáticos de los actores; así como de una inteligente propuesta de iluminación, escenografía, vestuario y utilería – todas de carácter minimalista -.

Este montaje teatral combina, dentro de un mismo universo estético, dos formas de abordar la interpretación. Una más física, visual y  poética, y otra más asentada en la interpretación de los textos. En ambos casos, el trabajo de dirección consigue que los dos universos dialoguen. Este abordaje es parte fundamental de una estructura dramática que viaja, también, en dos tiempos; dentro de los cuales los intérpretes intercambian de roles con gran efectividad.

(*) Foto: tomada de aquí.

Dirección: Roberto Ángeles.

Elenco: Rodrigo Palacios, Sebastián Monteghirfo, Juan Carlos Pastor, Nicolás Galindo.

Jefes de escena: Alejandro Guzmán, Luben Petkoff.

Asistencia de Dirección: José Diez Canseco.

Movimiento: Sebastián Rubio, Gabriel Gonzáles.

Vestuario: Rodrigo Palacios.

Escenografía: Eduardo Camino.

Realización de escenografía: Paulino Quispe.

Dramaturgia: José Diez Canseco, Fernando Luque y Roberto Ángeles.

(**) ‘Gol’ está inspirada en la obra ‘Historia de un gol peruano’ de Alfredo Bushby.
 

‘Los mellizos muertos de risa’ es el más reciente trabajo de Panparamayo Teatro. Dirigido por Mario Ballón, el montaje se apoya en ciertas características que definen las propuestas de este colectivo teatral: universo juvenil, uso del humor, juegos de palabras, caos organizado, convivencia de estilos y lenguajes, guiños al absurdo y referencias a la realidad.

A continuación se transcribe un fragmento de la sinopsis de la obra copiada de sus espacios de difusión:

«Luna se escapa de la cárcel y llega al Perú para buscar a su hermano Neptuno. Juntos planearon la muerte de su madre hace más de cinco años. Luna se quedó en su país pagando la pena por el matricidio; mientras Neptuno huyó y se instaló en Lima. Aquí se hace llamar Alan Rodríguez y administra un bar barranquino donde vive con Sol, una brasilera que conoció en la 73 y que contrató como mesera. León es un cliente que ha empezado a acudir al lugar para escuchar a Risa, una cantante que quiere vivir cada minuto como si fuera el último.”

La puesta en escena se desarrolla en un local nocturno del distrito de Barranco. La elección de este espacio no es gratuita, dado que la mayor parte de la historia a representar acontece en un bar. Es acá donde radica uno de los méritos de esta puesta en escena: la adecuada apropiación del espacio. Esta se grafica en que, luego de tener distribuido al público en mesas, sillas y bancas, quedan disponibles la barra, un tabladillo, tres pasillos y dos pequeños salones. Estos espacios son utilizados como escenario para el desarrollo del montaje; cumpliendo tanto su rol de espacio físico – como pasillo, tabladillo, barra, etc. –, como simbólico-teatral – representando una calle, la casa de uno de los personajes, etc. -.

De esta manera, el público es testigo cercano de un montaje que se desarrolla en un espacio – un bar – que es simultáneamente real y ficcional. Ello, sumado a que algunas escenas – dependiendo de la ubicación de cada espectador – se desarrollan entre el público, genera la sensación de presenciar, de manera in-voluntaria, el cotidiano y los dramas de otras personas.

Es oportuno agregar, que la alternancia en el uso de los espacios en cada escena, así como la adecuada iluminación de cada uno, impone un ritmo que mantiene alerta al espectador; además de invitarlo a reconocer el valor simbólico de cada ambiente.

‘Los mellizos muertos de risa’ propone una diversidad de estilos y lenguajes. Así, si bien la mayor parte de las escenas ofrecen una interpretación naturalista – fresca y ligera, casi cotidiana -, existen momentos que se desarrollan por medio de la música y el canto; tanto en cuadros de corte simbólico – los personajes expresando sus emociones por medio de canciones –, como en momentos ‘realistas’ – ejecución de un tema musical, como parte del espectáculo del bar de la ficción -. Asimismo, el montaje presenta algunas escenas que se apoyan en el movimiento, recurriendo a la abstracción y al simbolismo, y otras expuestas en clave de farsa teatral.

La dramaturgia plantea una historia que se desarrolla en un tiempo de estabilidad; el cual se verá alterado por el arribo de un personaje. Así, aunque no se aprecie del todo la actividad regular del bar – negocio, vivienda y espacio donde ocurre la mayor parte de la acción -, queda claro que antes de la llegada de ‘Luna’ el sistema que sostenía al local – y a la familia – funcionaba con dos de los personajes en la administración y atención al público; y otros dos encargados de los espectáculos a ofrecer. Posteriormente, a medida que se desarrolla la acción y la presencia de ‘Luna’ en el bar es cada vez mayor – sumada a las intervenciones del personaje de ‘León’ -, la tranquilidad da paso al conflicto, mientras se van develando los secretos y mentiras con los que carga cada personaje.

De esta manera, guiado por el ritmo en el uso de espacio, viajando entre diferentes estilos y lenguajes, y siguiendo las tensiones propuestas en la dramaturgia, el espectador llega a dos momentos culminantes: aquel en el que conoce la relación entre todos los personajes y, especialmente, el instante en que la verdad les es revelada a ‘Luna’. Luego de ello, la espera por un desenlace se hace extensa y el ritmo decae.

Y es que, este es un montaje que acumula tensión por un tiempo prolongado – concentrándose en que ‘Luna’ no se entere la verdad sobre su madre – y luego la libera, develando los misterios que guardaba. Posteriormente, la historia continúa, pero no hacia un desenlace. Lo hace abriendo nuevas líneas dramáticas: la ruptura de la relación entre ‘Neptuno’ y ‘Sol’, el encuentro de  ‘Luna’ y su madre, y la relación de ‘León’ con ambas mujeres. Esta dispersión de la atención dramática impide que el montaje vuelva a generar tensión con la misma intensidad que había logrado. A ello se suma que la mayoría de estas escenas llevan una pesada carga retórica; en un intento de explicar, apoyándose principalmente en la palabra, las emociones y reflexiones de cada personaje.

Llegado a este punto, se suma que ‘Los mellizos muertos de risa’ trabaja con intérpretes que, en su mayoría, no han sido formados como actores o actrices. Esto hace que existan algunas deficiencias de técnica vocal. Y si bien ello no genera problemas durante la mayor parte de la obra – ya se mencionó anteriormente el estilo cotidiano de la interpretación -, los problemas de dicción, de proyección de voz y de manejo de ritmo en el texto, atentan contra del montaje una vez que los misterios han sido resueltos, las tensiones han disminuido y el desenlace se posterga.

‘Los mellizos muertos de risa’ es un montaje teatral que atraviesa las fronteras de los estilos y los lenguajes; permitiéndose ser simultáneamente narrativo y poético. Discurre con la misma frescura por la representación naturalista y por la abstracción del movimiento. Asimismo, recurre al código del musical con la misma efectividad con que se acerca a la farsa. Propone un atractivo uso del espacio; tanto a nivel funcional, como en la concepción y percepción de lo real y lo ficcional.

Y si bien no es de interés de este espacio hacer análisis dramatúrgico – más cercano al análisis literario que a la acción teatral – no se debe evitar mencionar que el montaje se afirma en una dramaturgia narrativa y poética. En ella se presenta una situación, para luego exponer un conflicto; el cual logra generar tensión y expectativa. Sin embargo, esta tensión decae una vez que  los misterios que la sostenían son develados, y que el desenlace se posterga.

(*) Foto tomada de aquí.

‘Los mellizos muertos de risa’ se presentó en el bar Lion’s Head – Av. Grau 268, Barranco -.

Fechas: Viernes 12, 19 y 26; y sábados 13, 20 y 27 de junio. Jueves 2 y 9 de julio; y viernes 3 y 10 de julio.

Dirección general y dramaturgia: Mario Ballón.

En escena: Nina Mutal, Tatiana Vizcarra, Gabriel Zambrano, Leslie Guillén, José Avilés, Feffo Neyra.

Letra y música compuesta por el elenco de la obra.

Diseño de luces: Ricardo Delgado.

‘Presunto Culpable’ codirigida por Daniel Amaru Silva – a la vez dramaturgo de esta obra – y Rodrigo Chávez, se presentó en ‘elgalpon.espacio’, en una temporada de 4 semanas, entre el 10 de octubre y el 02 de noviembre.

‘Presunto Culpable’ está planteada en un escenario atemporal, en una sociedad que vive un escenario post-bélico. La anécdota se centra en un ciudadano que ha sido detenido sin conocer el motivo,  y que debe confrontarse con el funcionario público a cargo de su caso. De esa interacción surge un conflicto marcado por el absurdo.

Los directores proponen una interesante variante en el uso del espacio que alberga el montaje. Al tener como único elemento escenográfico un pequeño cuadrilátero de malla metálica – referencia metafórica a las rejas de una prisión, a los sótanos de los grandes edificios públicos – se dispuso bloques de gradería alrededor de éste, generando así la perspectiva de un escenario semicircular.

Tal como la escenografía, la iluminación propone también códigos simples y directos. Si a esto se le suma la ausencia de recursos sonoros ajenos a la performance de los intérpretes, se puede concluir que ‘Presunto Culpable’ es un montaje que utiliza los elementos escénicos de manera tal que fortalezcan y potencien el rol del texto y las interpretaciones.

Las caracterizaciones de los personajes son claramente opuestas. Por un lado, el funcionario público luce joven y atlético, tiene una voz impostada y artificial, comportamiento extravagante, viste un uniforme, se mueve con firmeza y de manera mecánica, secuencial. En contraste, el ciudadano se ve achacoso, mal vestido y su comportamiento corporal y vocal es más cercano a las emociones, más cotidiano.

Estas oposiciones se fortalecen en la medida que el conflicto se desarrolla. Y es que, mientras el ciudadano lucha por entender un sistema absurdo, el funcionario discurre naturalmente por él; mientras el ciudadano alega errores e injusticia, el funcionario niega posibilidad alguna de reclamo; mientras el ciudadano busca una salida a su situación, el funcionario le aclara que no hay salida posible. En resumen, mientras el ciudadano trata de ser racional, se encuentra con el representante de un sistema absurdo y represor.

Es así, a través del conflicto permanente entre los dos personajes, que el texto que guía el montaje va acumulando tensiones. Además de ello, el texto propone caminos para ofrecer más información sobre ambos personajes, mostrando sus humanas contradicciones y evitando con ello caer en el simple maniqueísmo.

Sin embargo, son estos dos ejes centrales de la estructura del texto – acumulación de contradicciones e información personal de los personajes – los que generan la pérdida de ritmo hacia la última parte del montaje. Pues, si bien la interacción entre los personajes es intensa desde el inicio, la reiteración de patrones rítmicos – en la estructura de los textos y en los temas en conflicto – terminan ocasionando una sensación de predictibilidad y agotamiento.

Asimismo, cabe mencionar la presencia de un discurso ético de carácter confuso. Esto sucede cuando, luego que el texto marcara con claridad el absurdo de que el ‘sistema’ pueda acusar  a alguien como ‘culpable de no hacer nada’, sea un mismo representante del ‘sistema’ quien cuestione éticamente la pasividad, la indiferencia, el no tomar posición de su antagonista.

Dicho esto, queda claro el objetivo del texto, de poner el tema de la ‘toma de posición’ como objeto de discusión. Sin embargo, que sea cuestionado por el personaje representante del absurdo, genera una lectura confusa de ello.

‘Presunto Culpable’ es un montaje teatral que propone un espacio escénico correcto y austero; con un adecuado y suficiente manejo de los símbolos a través de la luz, el sonido – o la ausencia de éste – y el vestuario. Cuenta, además, con interpretaciones sensibles y eficientes que comparten adecuadamente el peso dramático del montaje. Todo ello al servicio de un texto que discurre como una comedia negra – con guiños a clásicos contemporáneos como Kafka y Orwell –  que, si bien decae en su ritmo al final, mantiene al espectador sujeto al humor, la crueldad, la ternura y el absurdo.

En escena: Carlos Acosta y Gabriel Gonzalez.

Codirección: Daniel Amaru Silva y Rodrigo Chávez.

Dramaturgia: Daniel Amaru Silva.

Dirección de Arte: Aarón Rojas.

Vestuario: Claudia Torres Donayre.

Realización de escenografía: Alex Sermeño.

Asesoría en iluminación: Vanessa Geldres.